El director de Seven Veils, Atom Egoyan, habla sobre reunirse con Amanda Seyfried y llevar la ópera a la pantalla

Átomo Egoyan Siete velos Esta noche es una experiencia teatral única, que combina las formas artísticas del cine y la ópera y al mismo tiempo difumina las líneas entre la realidad y la ficción. La película se realizó en colaboración con la Canadian Opera Company, que es donde Egoyan montó la ópera por primera vez. Saloméahora en el centro de la historia de la película. Siete velos tendrá una presentación “vanguardista” en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 8 de septiembre antes de su estreno mundial oficial el 10 de septiembre.

Egyan escribió el guión y dirigió la película, que también incorpora hábilmente partes de su última adaptación de Salomé utilizando cantantes reales de la Canadian Opera Company. Las cosas empiezan a ponerse metateatrales rápidamente, cuando Amanda Seyfried interpreta a Jeanine, una directora de teatro que está en el proceso de volver a montar la infame versión de su mentor de esa misma obra. La producción original no solo guarda recuerdos dolorosos para ella, sino que también incorpora elementos de su trauma infantil en su ADN que abren viejas heridas mientras ella trabaja para darle vida en el escenario.

habló con Egoyan sobre la inspiración detrás del relato ficticio de Saloméestá volviendo a montar en Siete velossus pensamientos sobre trabajar nuevamente con Amanda Seyfried casi 15 años después cloey los aspectos técnicos de la puesta en escena de una ópera en pantalla.

Atom Egoyan habla de los siete velos

: Yo realmente disfruté Siete velos. Pensé que era una manera fascinante de comparar la historia de Jeanine con Salomé. Sé que tienes experiencia personal representando Salomé como ópera, y eso realmente se reflejó en la pantalla, pero ¿qué te inspiró a crear esta versión ficticia de un director de teatro trabajando en ella?

Atom Egoyan: Fue una situación muy inusual. La primera vez que la presenté como una ópera fue hace más de 30 años, en 1996. He hecho muchas óperas, pero ésta es la que siempre ha regresado. Es un espectáculo bastante exitoso. Ha tenido siete remontajes en varios lugares.

Y cuando estaba previsto volver a montarla este año, a principios de este año, sentí que era una interpretación tan provocativa de la ópera que no estaba seguro de dónde se ubicaría hoy. Fue bastante radical cuando se presentó en 1996, pero muchas de las imágenes que contiene necesitaban algún tipo de contextualización porque vivimos en una época diferente. Hay muchas advertencias desencadenantes en esta producción y no pensábamos en eso hace más de 30 años. Entonces, tenía preguntas sobre lo que significaría volver a montar esto.

Entonces empecé a darme cuenta de que realmente no podía cambiar nada en la ópera por la forma en que están los horarios y los presupuestos. Empecé a pensar en este personaje que podía hacerlo, y Jeanine empezó a tener realmente clara mi mente. Aquí es donde el trabajo se vuelve súper personal porque hay historias de las que me basé en términos de esa producción original de 1996, especialmente lo que hago con la Danza de los Siete Velos y toda esta secuencia de flashback. Está extraído de una narración que escuché de alguien muy cercano a mí. Comencé a imaginar a Jeanine como ese personaje, y luego imaginé que ya no estaba y había puesto en mi testamento que si alguna vez lo volvían a montar, debería ser esta persona.

Y luego todo empezó a partir de ahí. El personaje de Charles, el director original, no soy yo de ninguna manera. Creo que es un personaje y las circunstancias muy diferentes. Creo que es un personaje mucho más problemático que yo. Ciertamente no tuve esa relación con un joven que trabajaba en la producción, pero él la habría tenido; ese personaje y esa generación. Todos sabemos el tipo de persona que debe haber sido. Eso se volvió realmente liberador una vez que él se separó de mí, y una vez que imaginé a Jeanine separada del personaje que conocía, pero eso fue muy rico en términos de material.

Lo que se volvió súper convincente fue la idea de un personaje que es completamente consciente de sus traumas, como el trauma infantil, las cosas que le sucedieron durante su infancia. No era el cliché que las burbujas surgieran inesperadamente. De hecho, ella entra en esto sabiendo muy bien cuál es el material, pero lo que no anticipa es la forma en que volverá a quedar traumatizada por su capacidad para volver a montar de manera efectiva esta producción emblemática, que contó su historia y luego siempre podría disminuir y trivializar su propia experiencia debido a sus propias insuficiencias o debido a las fallas en el reparto que se le impone a ella o a cualquiera de una serie de cuestiones que surgen durante cualquier producción teatral que no esperaba.

Eso la coloca en un lugar emocional muy elevado y combinado con lo que está pasando con su familia y lo que está pasando con varias relaciones que giran a su alrededor, ella está negociando esta línea realmente delicada que comienza a afectar su cordura, diría yo.

Fue genial verte trabajar con Amanda Seyfried nuevamente después cloe. ¿Cuánto diría que ha evolucionado su dinámica de trabajo desde entonces y cómo fue ponerla en este espacio de un carácter muy diferente que atraviesa un trauma y una pérdida de cordura?

Atom Egoyan: Chloe es en sí misma una nueva versión y era un proyecto que estaba muy emocionado de dirigir, pero no era mi guión. No tenía las mismas libertades que tengo cuando hago mi propio guión y mi propia producción. Pero ciertamente tuve acceso en el momento en que Amanda entró en esa audición para Chloe. Se trata de una joven actriz extraordinaria que estaba muy disponible emocionalmente.

Yo diría que la única similitud en términos de personajes es que hay algo que ambos sienten que merecen tener, algo que se les niega. Verla negociar eso en Chloe fue realmente muy cierto. En cada momento hubo muchas fórmulas y clichés en esa película, pero ella hizo que todo fuera muy real y verdadero, y tuvimos una gran experiencia al hacerlo. Y entonces prometimos que encontraríamos algo más. Pero tomó tanto tiempo, de verdad, han pasado 15 años, pero comencé a pensar en Jeanine. Es como si sintiera: “Está bien, este es el proyecto que podemos hacer juntos de nuevo”.

La forma en que su trauma infantil se bailaba literalmente en torno a lo que pensaba era realmente fascinante. ¿Qué te hizo decidir acercarte a esas escenas con su padre a través del lente de su cámara y a través de estas escenas de baile que se replican?

Atom Egoyan: Sí, pero también tal vez la lente, hay momentos en los que ella también sostiene la cámara, ¿verdad? Donde está grabando en vídeo a su padre. Creo que ella también está involucrada en esto incluso como directora. Creo que es ambiguo a qué llevaron esas escenas. Cuando habla de algo del pasado, de no ser lo que era, a veces no estamos seguros de si está hablando de lo que pasó en su infancia o de lo que pasó en la reconstrucción de su infancia vista a través de la interpretación de Charles, el original. director de la ópera. Está viendo su infancia recontada, pero de una manera claramente más extrema y traumatizada que podría haberse sentido diferente hace unos 15 o 20 años cuando la experimentó como adulta joven que ahora.

Tiene muchas capas. Están sucediendo muchas cosas y ella no estaba preparada para eso. Creo que pensó que iba a hacer este remontaje por una razón, y una vez que está allí, comprende que hay un conjunto completamente diferente de cuestiones que tiene que negociar. Pero lo que lo hace muy inusual es que en realidad no se le revela nada en términos de la naturaleza específica de su historia pasada. Todo eso está disponible para ella, a diferencia del tipo de cosas que vemos en muchas cosas.

No se olvida nada. Cualquier cosa que sea realmente traumatizante se genera en ese momento por la intersección de su memoria real con la reconstrucción de la misma y las vulnerabilidades y debilidades de ese proceso y las insuficiencias de ese proceso para hablar realmente de ese sentimiento si no se ejecuta perfectamente. Así que está tratando de ejecutar estos momentos perfectamente, que parecían, en su propia memoria, haberse hecho correctamente cuando Charles los interpretó o lo hizo. Es muy complicado, ¿verdad?

Ya sea que estos actores o cantantes no entiendan lo que ella dice, o si hay algo en la construcción real de este concepto que no es convincente, ella está en un lío. El trauma con el que está lidiando tiene que ver con el trauma que se genera a través de su reflejo de algo que vio cuando era niña, cuando era una adulta joven, y que ahora está viendo en la mediana edad.

En una nota ligeramente diferente, también me encanta el personaje principal de utilería, Clea, y cómo tenemos su historia entretejida. Ella también está narrando e interpretando su propia obra, lo que a veces choca con lo que piensa Jeanine. ¿Puedes hablar sobre trabajar con Rebecca Liddiard para ese papel?

Átomo Egoyan: Sí. Rebecca es una actriz a la que también le he echado el ojo desde hace tiempo porque es genial. Escribí esta parte para ella porque hay algo muy disponible de una manera diferente a Amanda con su energía. También me encanta el hecho de que ella tiene su propia metodología como artista. Tiene esta idea de cómo va a hacer lo que tiene que hacer, pero también se le imponen imposiciones. Uno de ellos, principalmente de Jeanine, quien le pidió que reconsiderara cómo está construyendo la cabeza.

Pero también creo que, como dice al principio, la historia de Salomé es básicamente una historia de amor muy rara. Creo que toda esta película es una serie de historias de amor muy extrañas. Creo que sabemos las cosas que hace la gente. Lo hacen por amor, pero no entienden que a veces lo que hacen por amor no se entenderá así, o que esa no es la forma en que esa persona quiere ser amada.

Creo que Clea pasa por un ejemplo muy extremo de eso en términos de su viaje y lo que intenta extraer en última instancia de la Ópera, lo que está haciendo por la persona que ama. Pero la persona que ama queda consternada por esa acción y la encuentra realmente incomprensible sin entrar en detalles. Ella es un personaje secundario muy importante.

Me encanta ver cómo se monta el espectáculo, en paralelo con lo que sucede en la vida real. Pero también me hace dudar, ya que originalmente dijiste que Jeanine era un personaje que podría hacer cambios que tú no podías. ¿Qué tan consciente eres de los cambios que estás haciendo? ¿Cuántos de ellos son los que habrías hecho o que luego evolucionan cuando estás filmando porque eso es lo que Jeanine querría?

Atom Egoyan: Desde 1996, he ido introduciendo gradualmente cosas diferentes. La producción a la que se refiere y que vio en la película era muy parecida a la producción original. Muchas de las cosas que están viendo ahora que ella presenta son cosas que yo he presentado a lo largo de los años. Porque no había manera de que hubiésemos podido incluir sus cambios en la producción que ya estaba en el escenario.

Lo de la madre fue algo que hice en el remontado, o lo de las mandarinas. Todo lo que parece que se le ocurre son cosas que se han introducido en la ópera. Ahora parece que se generan en el momento, pero están integrados en la producción. Tenían que serlo porque simplemente no teníamos tiempo para volver a la ópera. Tienes muy poco tiempo para volver a montar. Es una locura.

Dicho esto, una vez que estás en el escenario y los actores de la película llegan a la ciudad, tienes todo el tiempo para reimaginar lo que sucede en la sala de ensayo. Antes de que por la noche los cantantes se transformen como calabazas en verdaderos cantantes de ópera, podemos imaginar que así habría sido el ensayo. Es ingeniería inversa.

Acerca de Siete Velos

En Siete velos, Amanda Seyfried interpreta a Jeanine, una directora de teatro encargada de volver a montar la ópera Salomé. Aunque está dispuesta a honrar el trabajo más famoso de su antiguo mentor, los inquietantes recuerdos de su propia infancia pronto afectan su capacidad para concentrarse con claridad en la producción actual.

Siete velos tendrá su estreno mundial en TIFF el 10 de septiembre.

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