Durante los 100 años que lleva en funcionamiento, el Butler Institute of American Art de Youngstown, Ohio, ha sido un depósito de obras de arte de maestros estadounidenses, desde destacados pintores del siglo XIX como Winslow Homer, hasta realistas del siglo XX como Edward Hopper y George Bellows. , a artistas pop como Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
Así, en 2000, cuando el museo abrió su Centro Beecher para las Artes Electrónicas, el primer museo estadounidense dedicado exclusivamente a los nuevos medios, esperaba ser un almacén similar para los artistas modernos. Entre las obras en exhibición se encuentran: hologramas de Jonathan Ross, pinturas de Stephen Knapp y una escultura de Nam June Paik, considerada por muchos como el padre del video arte.
Paik, un expatriado coreano, encontró un hogar en la escena artística vanguardista de Nueva York en los años sesenta. Fue uno de los primeros artistas en utilizar una videocámara para capturar videos e inventó un sintetizador para alterarlos. Sus trabajos incorporaron pantallas de televisión que mostraban desde huevos hasta peces y el chelo, e incluso construyeron el instrumento de cuerda a partir de pantallas de televisión y reclutaron a un músico para que lo tocara.
Paik se puede encontrar en los pasillos del Smithsonian, el Whitney y, especialmente, el Butler, donde su proyecto "Ars Electronica" (en la foto de abajo) presentaba 20 pantallas de TV de Panasonic, cada una mostrando todo desde escenas de comedias hasta un fondo azul con líneas negras. apareciendo intermitentemente.
Pero dentro de una década, surgió un problema con la instalación. Una por una, las pantallas de Panasonic empezaron a quemarse. El mayordomo pudo reemplazar algunos de los tubos de rayos catódicos de 1993 a través del milagro de eBay, pero gradualmente se volvieron más difíciles de conseguir también, y el museo se enfrentó a una decisión difícil: ¿Pones la pieza de Paik en bolas de naftalina o mejora su ¿tecnología?
No era como si el personal del museo simplemente pudiera preguntarle a Paik cuál era su visión. Murió en 2006, casualmente, el mismo año en que Panasonic dejó de fabricar televisores de tubo de rayos catódicos.
Al final, el director del museo, Lou Zona, decidió continuar mostrando la pieza. "Colocamos pantallas planas dentro de las carcasas", dice Zona. "Como resultado, no hay una curva, así que cuando te paras hacia un lado, realmente no aprecias lo que hizo Nam June Paik". De hecho, si miras la ilustración desde el lado, se hace evidente que las pantallas planas Fueron reequipados en casos convexos.
Ars Electronica 2.0 puede no haber sido exactamente lo que Paik presentó en 1994, dice Zona, pero el mayordomo intentó honrar su visión lo mejor posible con los recursos que tenía.
"La mayoría del arte moderno nace, vive y se transmite", dice Zona. "Los museos tratan de mantener el arte vivo".
Un esfuerzo de conservación
Zona es muy consciente de las implicaciones existenciales que vienen con tratar de hacer eso. El no esta solo Durante la última década, el campo de la conservación de medios basada en el tiempo ha ido creciendo, porque tiene que hacerlo.
Este año, dos personas recibirán maestrías en el plan de estudios de la Universidad de Nueva York. Puede que no parezca mucho, pero son los primeros con ese tipo de especialización. La mayoría de los conservadores de medios basados en el tiempo fueron entrenados en otros medios y finalmente cayeron en el campo.
Glenn Wharton, por ejemplo, recibió capacitación como conservador de esculturas antes de mudarse a los medios basados en el tiempo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Ahora es profesor de estudios de museos en la Universidad de Nueva York.
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"La primera persona fue contratada para hacer algo como esto en 2005", dice Wharton. "Ahora hay alrededor de una docena. Creo que necesitamos alrededor de 100. Hay una gran necesidad, y está creciendo rápidamente ".
Los artistas siempre han tratado de trabajar en la vanguardia. Los escultores pasaron de la piedra a la arcilla a las aleaciones metálicas, del bronce al acero y al aluminio. Pintores como Vincent Van Gogh usaron pigmentos nuevos e innovadores en sus pinturas; Lamentablemente, estos enfrentan problemas de preservación propios, ya que son propensos a desvanecerse.
Y cuando aparecieron los medios electrónicos y escénicos en el siglo XX, los artistas adquirieron nuevas herramientas y juguetes, desde imágenes en movimiento hasta un sonido grabable y reproducible. Los medios basados en el tiempo también tienen sus raíces en la idea de esculturas cinéticas del siglo XX: obras con partes en movimiento y potencialmente reemplazables, ejemplificadas por artistas como Marcel Duchamp.
Los medios basados en el tiempo se refieren a cualquier obra de arte con duración, ya sea un video de cinco minutos o una obra de arte de tres días, a diferencia del arte tradicional como pinturas o esculturas, que tienen dimensiones físicas, pero no necesariamente temporales. . Este arte también utiliza productos de consumo y, por lo tanto, refleja los cambios en esos productos, que pueden llegar rápidamente.
Como la cinta magnética se hizo popular en el uso doméstico, ya sea para grabación de video o audio, también se hizo popular para el uso de artistas, dice Wharton, al igual que el uso de televisores. En 1950, el 9 por ciento de los hogares estadounidenses tenía un televisor. Trece años después, menos del 9 por ciento. no lo hizo Toma uno.
En la década de 1970, los artistas empezaron a gravitar de cinta a computadora y, a medida que la tecnología informática avanzaba, pasaron de formatos como CD y DVD a unidades flash y unidades de disco duro portátiles. Mientras avanzaba el siglo XX, dice Wharton, estos artistas comenzaron a trabajar de manera más conceptual, también herederos artísticos de Duchamp, a quien se considera el padre del arte conceptual. "La idea se volvió más importante que el objeto", dice Wharton.
Como resultado, algunas ilustraciones están diseñadas para ser temporales, se muestran durante un breve período y luego se desechan. Y los creadores simplemente están transmitiendo su trabajo a través de los mejores medios disponibles en el momento.
"Algunos artistas dicen: 'No me importa la nostalgia, solo la imagen'", dice Wharton. "¿Puede la nueva tecnología expresar mejor el trabajo?"
Una industria cambiante
No fue hasta la década de 1990 que museos como Butler comenzaron a adquirir obras basadas en el tiempo como las de Paik; Jenny Holzer, quien usó luces LED para ofrecer comentarios sociales; y Bill Viola, quien gravitó desde esculturas cinéticas hasta artes visuales utilizando grabaciones de video.
El aumento en los medios basados en el tiempo también tuvo influencias en el mercado, dice J. Luca Ackerman, conservadora asociada de Better Image, una firma de Nueva York dedicada a la conservación de fotografías. Los coleccionistas privados se interesaban por los medios basados en el tiempo, en algunos casos como una alternativa más barata a las obras más tradicionales.
"Los medios basados en el tiempo son el nuevo chico en el bloque, así que hay un factor genial", dice. "Pero a las personas que están entrando en el mundo del arte les resulta más barato entrar".
Ackerman señala que la década de los 90 marcó el comienzo de una migración de películas a fotos digitales, no necesariamente en medios basados en el tiempo, sino que plantea algunos de los mismos problemas con la conservación.
Irónicamente, dice Ackerman, la migración se vio favorecida, no por la incapacidad de encontrar películas para fotografías, sino por encontrar papel para impresiones. “Incluso hace 15 años, podría encontrar 50 tipos diferentes de papel de impresión en blanco y negro en Nueva York”, dice. "Ahora se ha reducido a alrededor de siete".
Ackerman dice que más del 95% de los fotógrafos trabajan digitalmente ahora, primero en el medio por la inmolación de compañías como Kodak y luego por la ubicuidad de los teléfonos inteligentes.
"El mercado del arte comenzó a aceptar las impresiones digitales como legítimas", dice. "Eso fue una señal para el resto del mundo del arte de que hay un conocimiento para ello".
Pero incluso ahora, los trabajos basados en el tiempo no se recopilan tanto, dice Hannelore Roemich, profesor de ciencias de la conservación en la Universidad de Nueva York.
"Todavía es bastante modesto en precio", dice ella. "En pocos años, los museos tendrán colecciones de medios más prominentes basadas en el tiempo".
Fijar una cantidad exacta en dólares, señala Roemich, es difícil. La mayoría de las casas de subastas principales ni siquiera tienen una categoría para los medios basados en el tiempo, y si las obras cambian de opinión, generalmente lo hacen directamente desde las galerías o los propios artistas, y es posible que esto no sea necesariamente conocido públicamente.
Cuando comenzó el siglo XXI, los medios basados en el tiempo empezaron a tener problemas con su tecnología, como fue el caso en Butler. Las computadoras continuaron ofreciendo nuevos sistemas operativos. Las cámaras digitales que suplantaron la película fueron suplantadas por cámaras más grandes.
"Hay una idea errónea de que todos los archivos de fotos digitales son iguales", dice Ackerman, "pero las fotos digitales pueden volverse arcaicas a medida que los tamaños de los archivos aumentan. En algún momento, las fotos digitales antiguas no serán utilizables. Nos enfrentamos constantemente a la idea de la migración de datos ".
Los cambios comienzan a ser incluso más rápidos ahora, dice Roemich, a medida que las computadoras y las cámaras siguen presentando nuevos modelos con mejoras para ganar cuota de mercado, e indirectamente, dejan atrás a los medios anteriores.
"Siempre estamos un paso por detrás de los artistas, pero tratamos de ponernos al día", dice ella. “La tecnología cambia tan rápido que dentro de cinco años, es posible que no podamos guardar algunas ilustraciones porque el hardware o el software han cambiado. Estamos en una máquina del tiempo. Este es un problema actual y acumulativo. La urgencia de que necesitamos hacer algo tiene menos de 10 años ".
Un repositorio seguro
La conservación del arte solía ser más simple. Hay una razón grabado en piedra se ha convertido en taquigrafía para algo que permanece sin cambios durante eones. Pero incluso la conservación de las obras físicas ha cambiado.
Una de las razones por las que se construyó el Butler fue porque su fundador y homónimo, Joseph Butler, buscó un hogar a prueba de fuego por su trabajo, y el museo continúa considerando la iluminación y el control del clima. (Cuando Zona se convirtió en director del mayordomo en 1981, el museo ni siquiera tenía aire acondicionado).
Roemich es un químico de formación, con un Ph.D. En química orgánica y campo y experiencia docente en arqueología. Ella cayó en el campo de la conservación del arte, que es el nexo de varias disciplinas, incluida la química, la ingeniería y la historia del arte. Los medios basados en el tiempo agregan otros campos, como la informática.
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"Cuando el material gráfico tiene un tapón, se necesita un conjunto de habilidades muy diferente para mantenerlo en funcionamiento y hacerlo público", dice ella.
Incluso el concepto de conservación de medios en el tiempo puede ser ajeno a las personas capacitadas para desarrollarlo, como descubrió Roemich a principios de este año cuando organizó un taller multidisciplinario entre el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York y su Escuela de Ingeniería Tandon.
"Están formando ingenieros y personas que crearán medios basados en el tiempo, pero cuando hablé sobre conservación, dijeron: '¿Y cómo se deletrea eso?' No lo pensaron".
En sus primeras etapas, la conservación de los medios basada en el tiempo implicó el acaparamiento de elementos como tubos de rayos catódicos, computadoras viejas y bombillas incandescentes. "Pero solo puedes acumular tantos elementos antes de tener que empezar a pensar qué hacer con ellos", dice Roemich.
El problema de conservación de medios basado en el tiempo más desconcertante puede ser el arte basado en software. Si un artista utiliza un software comercial para crear una obra, se deben adquirir los derechos de autor del software y se debe monitorear el software para ver si hay actualizaciones que muestren el arte. Si los artistas generan su propio software, los conservadores necesitan el código fuente del software para volver a compilar el trabajo en función de los sistemas operativos.
Además, cualquier medio digital conlleva la posibilidad de corrupción, lo que es preocupante, dice Ackerman.
"No hay tal cosa como una impresión digital de archivo", dice. "Hay un impulso preocupante para reemplazar los materiales con impresiones digitales. No durarán más de cinco a 10 años, y la gente no está invirtiendo lo suficiente en la conservación. Las impresiones digitales son de reemplazo, no de preservación ".
Wharton dice que el arte digital, como todo otro arte, necesita un repositorio seguro. "Necesitamos un servidor, necesitamos una copia de seguridad fuera del sitio y necesitamos una alta forma de integridad", dice.
Cuando el archivo se carga en el servidor, dice Wharton, él y su equipo crean una suma de comprobación que siempre representará ese archivo, un algoritmo que escupe una cadena de caracteres que identifica el flujo de bits del archivo, que luego se puede comparar con El archivo para comprobar cualquier tipo de corrupción. "Es estándar en la industria de la computación", dice, "pero ahora los museos también lo están haciendo".
La suma de control se puede configurar con un algoritmo, y no es particularmente laborioso, dice Wharton. Una vez que se configura, se puede hacer automáticamente cada vez que se carga una obra de arte en un repositorio digital seguro. Pero el proceso y las salvaguardas requieren el tipo correcto de persona.
"Todos los museos tienen algún tipo de soporte técnico", dice. "Pero la gente de TI no está capacitada para salvaguardar materiales. Realmente necesitas una combinación de habilidades, incluida la informática y la conservación del arte ".
Una era de descubrimiento
Más allá de los problemas técnicos en el archivo y la protección de los medios basados en el tiempo, también hay implicaciones éticas.
"Ya no solo estamos arreglando cosas", dice Ackerman. "Estamos tratando con conceptos abstractos sobre la reproducción. Estamos pasando del tratamiento físico a la teoría de las partes interesadas ".
Dada la combinación de cámara, papel, tinta e impresora, estás buscando potencialmente un millón de combinaciones diferentes para una impresión, dice Ackerman. Y una obra de arte puede tener una variedad de partes interesadas además de su creador, incluidas las personas que están involucradas en un nivel transaccional, como representantes de galerías, subastadores, tasadores de seguros, compradores y vendedores.
"Los coleccionistas o museos pueden no saber qué están haciendo cuando compran este tipo de obras de arte", dice Roemich. “¿Te compras la idea? ¿Compras el material? ¿Puedes transferirlo? ¿Cuáles son sus propiedades definitorias? Si el artista aún vive, ¿cuánto quieren que cambie? ¿Cuánto está escrito en piedra y cuánto puede definirlo el propietario?
Óptimamente, dice Roemich, esas conversaciones son proactivas, no reactivas. Pero nunca se sabe cuándo hay que lidiar con el trabajo aquí y ahora.
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"A veces hay que migrarlo a un sistema diferente (operativo)", dice ella. "Esa es una decisión difícil, porque podría perder la base de la obra de arte. Si sabes que la tecnología se está volviendo obsoleta, es una decisión del equipo: el conservador, el curador, los ingenieros, los científicos ".
Una de las características distintivas de los medios basados en el tiempo es el concepto de arte variable, un término que entró en el léxico del arte a principios de la década de 2000 y también plantea sus propios problemas éticos.
"Cada vez que se instale la obra de arte, será diferente", dice Wharton. "¿Qué es la variación? ¿Qué tipo de autoridad interpretativa le está dando el artista al propietario? Ahora hablamos de varias iteraciones de las instalaciones ”.
Esa flexibilidad puede ser un activo en los esfuerzos de conservación, dice Roemich.
"Los medios basados en el tiempo no se ven igual en todas partes", dice ella. "Depende de la exposición y de la interpretación más que del arte tradicional. "Los propietarios, coleccionistas y museos deben abordarlo de una manera lúdica e intentar dar cuenta de la intención del artista".
Como resultado, res ipsa loquitur Puede seguir siendo un término legal, pero en el mundo del arte, la cosa ya no habla por sí misma. Los museos se han metido en la práctica de entrevistar a artistas sobre su trabajo. Y mientras que los artistas se preocupan por la posteridad por su trabajo, no necesariamente quieren considerar un punto final para ello, o para ellos mismos.
"Esto nos obliga a hablar con los artistas y planear estas cosas", dice Ackerman. "Nos obliga a identificar qué obras de artistas son vulnerables. Entra en un territorio extraño donde piensas en la muerte mientras piensas en el futuro ".
A veces, cuando un artista ya no está disponible, los museos realizan entrevistas con personas que podrían haber trabajado con el artista. Ackerman dice que muchos artistas de renombre tienen su propio personal, que invariablemente incluye a alguien dedicado a los medios basados en el tiempo. Y el mundo de la conservación del arte tendrá que mantenerse al día.
"Cuando se trata de medios basados en el tiempo, definitivamente estamos en una era de descubrimientos", dice. "Pero aquí es donde van las cosas".
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