Vi al cineasta de TV Glow sobre el uso de la nostalgia de los 90 como alegoría queer [SXSW]

En una época donde la nostalgia está en su apogeo, Vi el brillo de la televisión es una nueva película de terror ambientada en la década de 1990 que analiza la influencia de los medios en adolescentes impresionables. Utilizando su propia experiencia como adolescente en los años 90 y los fandoms analógicos y la televisión de esa década en la que participaron en ese momento, la escritora y directora Jane Schoenbrun convierte la película en una metáfora de su presentación del armario. La película aprovecha los recuerdos de los niños de los 90 que a menudo quedaban inquietos y sin dormir después de programas de Nickelodeon como la antología. ¿Le tienes miedo a la oscuridad? o incluso lo tonto y absurdo, Saluda a tus pantalones cortos.

Protagonizada por Justice Smith y Bridgette Lundy-Paine, Vi el brillo de la televisión se estrenará por A24 en los cines de EE. UU. el 3 de mayo de 2024. Owen (Smith) es solo un adolescente que intenta sobrevivir a la década de 1990 en los suburbios. Cuando su compañera de clase Maddy (Lundy-Paine) le presenta un programa de televisión nocturno lleno de misterio e inquietud, eso revela una visión de un mundo sobrenatural que acecha debajo del que habitan. La propia creencia de Owen en su propia realidad comienza a resquebrajarse en ese brillo sutil de la televisión. “The Pink Opaque” es un programa de televisión de culto que desafiará su propia comprensión de quién es y a qué lugar del mundo pertenece.

habló con Schoenbrun en el Festival SXSW, donde estaban promocionando Vi el brillo de la televisión. Hablan de cómo la película surgió de su propia infancia mientras utilizan el lenguaje cinematográfico como una alegoría queer para expresar la abrumadora experiencia de la transición a la edad adulta.

Vi The TV Glow es la historia de un autor sobre una “infancia que no se siente del todo bien”

: Cuéntenos sobre los orígenes de Vi el brillo de la televisión. Se trata de adolescentes que descubren mucho sobre sí mismos a través del portal de un programa de televisión nocturno de culto.

Jane Schönbrun: Sí. Se trata de estos dos niños que son marginados en su ciudad natal suburbana en los años noventa. El lugar donde se sienten más como en casa es frente al televisor viendo este programa de televisión, que es este fenómeno de los 90 que creo que todavía existe hoy, pero definitivamente su apogeo fue en ese entonces. Estos adolescentes de televisión luchan contra monstruos y salvan el mundo, como Buffy, la cazavampiros o la energía de Goosebumps.

A estos niños realmente les encanta este programa y realmente se identifican con los personajes del programa. Pero su amor por ello es tan intenso que es casi como un mecanismo de afrontamiento para superar una infancia que no les parece del todo bien. Entonces el programa se cancela. Uno de los dos desaparece sin dejar rastro y la película avanza hacia la edad adulta. Y se convierte en algo quizás un poco más siniestro o casi sobrenatural a medida que desvelamos el misterio de la desaparición de esta persona en relación con el programa de televisión.

Soy un cineasta trans queer. Es mi segundo largometraje. Mi primer largometraje, Todos vamos a la feria mundial, que se estrenó en Sundance hace un par de años, trataba de manera similar sobre cómo las personas se encuentran a sí mismas a través de la ficción; a través del terror y el género. Y esta película es en gran medida una extensión de los temas e ideas de esa película, sobre personas que no sienten que el mundo en el que existen sea muy real o correcto.

La escribí mientras comenzaba a hacer la transición de género, y creo que la película surge en gran medida de tratar de articular no solo ese sentimiento de transición temprana como una experiencia emocional abrumadora, sino también todo lo que condujo a ella. Es la mitad de una vida pasada sabiendo que algo anda mal de manera subliminal y buscando el lenguaje para explicar por qué. Pero se trata de explorar estos temas queer en términos de género, como suelen hacer mis películas.

Está obteniendo una respuesta tan apasionada por parte de los festivales en los que se ha presentado hasta ahora. Hay mucha gente que se ve a sí misma en estos personajes. Hablaste de lo personal que era para ti. Al escribirlo, ¿estás hablando con otras personas que hicieron la transición a experiencias de crowdsourcing o simplemente mantuviste tu propia verdad?

Jane Schoenbrun: No, me considero una autora, por lo que tiendo a ser un poco maniática del control a la hora de crear la idea. Creo que mi barómetro interno nunca es “asegúrate [others agree]” Intento evitar pensar en la representación: buena o mala representación. Creo que es demasiada presión sobre tus hombros cuando intentas hacer arte honesto.

Como cineasta queer y trans, obviamente, no hay mucha gente haciendo películas con ese trasfondo y desde esa perspectiva. Siento la responsabilidad de hacerlo bien. Pero en mi experiencia, la mejor manera de hacer buen arte desde un lugar honesto es simplemente confiar en lo que se siente extraído de algo personal. Tiendo a mantenerme en el estándar de: “¿Estoy explorando algo con esta película que sé que emocionalmente proviene de un lugar realmente vulnerable?”.

Creo que el autor Dennis Johnson siempre dice: “Escribe desnudo”. Intentar poner cosas en la pantalla que da miedo decir en voz alta. Y si las películas resuenan en otras personas, es exactamente porque no son colaborativas. Son personales y vulnerables en un sentido que tiene que surgir de un proceso interno.

Cómo Buffy, la cazavampiros y más inspirados, vi el brillo de la televisión

Me encanta que uses este programa de televisión adorado por un culto como punto de referencia, como Buffy y Piel de gallina. En el proceso de escritura, ¿los revisitaste? ¿Pasaste mucho tiempo con esos programas? ¿Y cómo ayudaron a inspirar esta historia específica?

Jane Schoenbrun: Creo que intenté trabajar de memoria. Definitivamente eché un vistazo a algunos de mis programas de televisión favoritos de Nickelodeon de mi infancia, pero creo que fue mucho más un proceso de tratar de capturar el sentimiento, no tanto de cómo se ven cuando pones un episodio antiguo en YouTube de ¿Tienes miedo a la oscuridad en 2024? Y puedes verlo desde el punto de vista de “Está tan anticuado, es tan cursi, es tan barato”, pero más aún pensando en cómo se sentía tener ocho años y ver algo que te llevó a otro mundo en la infancia.

Crecer en los suburbios, crecer queer, crecer bastante disociado del mundo real que me rodea: puse mucho de mí y mucho amor en la pantalla; en mi relación con estas historias que estaba viendo en una pantalla. Y cuando era niño los impregné de tal magia que siempre decía con esta película: “No estamos tratando de hacer una película sobre cómo se veían realmente esos programas. Estamos tratando de hacer una película sobre cómo se sentía mirarlos”. ellos en ese tiempo y ese lugar.”

Creo que fue mucho más un proceso intuitivo de lo que brilla en tu memoria, y tomar prestados varios dispositivos, tropos o estéticas que parecen tan extraídos del subgénero de lucha contra monstruos de los adolescentes de la televisión de los 90. Pero entonces casi estoy adaptando o recontextualizando muchos de esos tropos en una película de arte contemporáneo vernácula. Es algo que también intenté hacer con mi primera película, tomando la estética de Internet y combinándola con el lenguaje de una película de arte contemporáneo.

Creo que sucede algo realmente extraño y asombroso cuando tomas algo que consideramos un género cursi, viejo y anticuado y tratas de tomarlo realmente en serio en una lengua vernácula que todavía podemos entender como que articula una estética muy diferente.

¿Tenías algún punto de referencia cinematográfico? He escuchado comparaciones tempranas con Donnie Darko y La nave. ¿Fueron esos puntos de referencia para usted?

Jane Schoenbrun: Siempre estoy dispuesta a comparar The Craft. Soy un cinéfilo, un nerd del cine y un snob del cine, y trato de sacar provecho de todas partes. Creo que me encanta el cine lento, y definitivamente hay mucho lenguaje en la película que estoy tomando prestado de Gus Van Sant en la década de 2000 o de Gregg Araki en la década de 1990, cuyas películas queer para adolescentes tienen una estética muy específica con la que siempre ha resonado. a mí.

Creo que definitivamente también supe con esta película que me propuse hacer lo que yo llamaría un clásico de la angustia adolescente. Es una película con una banda sonora espectacular y muchos sentimientos, como la película con el corazón en la manga que en el pasado alquilabas en el videoclub y luego la alquilabas ocho veces más y la veías en los sótanos con tus amigos. Donnie Darko para mí es el estándar de oro de esa película de culto que espera en la sección de nuevos estrenos para que la descubras. Definitivamente me estaba basando en muchas de esas películas de culto de principios de la década de 2000. Había mucha más cultura en el momento de buscar en la basura para encontrar algo que estuviera un poco fuera de lo común pero que pudiera ser su nueva película favorita.

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Usted se burló de la banda sonora de esto y de lo integral que es para la película. Cuéntanos un poco más sobre los artistas que has presentado en este.

Jane Schoenbrun: Le propuse a A24 que hiciera una banda sonora que pudiera funcionar como banda sonora del programa de televisión dentro de la película. Debido a que es una parte tan importante de esos programas de televisión de los 90, siempre estuvo The Bronze en Buffy the Vampire Slayer o The Peach Pit en Party of Five. Cada semana por alguna razón, aunque el show tendría lugar en algún pequeño pueblo de California, cualquier banda de It del momento estaría en ese pueblo tocando su nuevo single en el club local.

Básicamente colaboramos en una lista de artistas, simplemente músicos más emergentes, contemporáneos, en su mayoría queer, cuyo trabajo realmente amaba. Y hablé con cada uno de ellos e hice una mezcla para cada uno y básicamente les dije: “Escriben la canción que habrían tocado si hubieran tocado en uno de esos programas de televisión en el pasado”. Todos leyeron el guión y hablamos mucho sobre los temas de la película.

He sido creador de mixtapes desde muy joven. Y definitivamente fue esta gran oportunidad para hacer un mixtape desde cero. Las canciones aún no existían, pero trabajé con muchos de mis artistas favoritos para crear algo. Personas como Caroline Polachek; Sloppy Jane y Phoebe Bridgers escribieron una canción para la película; Yule versiona “Anthems for a 17-Year-Old Girl” de Broken Social Scene. Snail Mail, que también está en la película, hace una versión de “Tonight Tonight” de The Smashing Pumpkins. Florist, Lorraine, Bartees Strange… Para mí es un verdadero tesoro de algunos de los artistas más apasionantes que empiezan hoy en día.

Vi el brillo de la televisión

se estrenó en SXSW el 10 de marzo y se estrenará en cines el 3 de mayo.

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