Una de las técnicas más brillantes y atrevidas utilizadas en el cine es romper la cuarta pared. Tradicionalmente, la cuarta pared representa una barrera imaginaria entre el universo ficticio en la pantalla y el público, un secreto que sólo este último conoce. La convención tiene sus raíces en el teatro, mucho antes del nacimiento del cine. Romper la cuarta pared significa cruzar un límite, permitiendo que los personajes en pantalla se acerquen al público e interactúen con él.
En estos raros momentos, los personajes reconocen la presencia del público así como su ficcionalidad. Al desafiar estas convenciones, los directores otorgan a sus personajes una conciencia y agencia únicas. Estas escenas son particularmente poderosas porque crean una intimidad compartida entre los protagonistas de dos realidades que de otro modo nunca se encontrarían. Sin embargo, debido a sus premisas poco convencionales, estos momentos deben aprovecharse cuidadosamente.
10 Annie Hall (1977)
Dirigida por Woody Allen
Woody Allen siempre ha utilizado su voz de forma explícita y personal. Sus películas a menudo aparecen como un intento de hablar directamente con la audiencia, compartiendo su filosofía y creencias fundamentales. Annie Halluna de las obras maestras más reconocidas de Allen, aporta un paso adelante a este enfoque clásico en una escena particular que desafió cualquier límite impuesto por la pantalla. Después de escuchar a un personaje particularmente desagradable discutir en voz alta la teoría de los medios mientras esperaba en la fila del cine, Alvy Singer, interpretado por Allen, se vuelve hacia la cámara para expresar su frustración.
La brillantez inventiva del momento radica en la inclusión de otros dos personajes: el objetivo de la exasperación de Alvy que intenta defenderse del ataque del hombre, y el teórico de los medios de la vida real Marshall McLuhan, que ayuda a Alvy a ganar el debate. El momento termina con Allen revelando a la audiencia cómo deseaba que la realidad fuera así, reconociendo tristemente la naturaleza ficticia de la situación y permitiendo que el público entrara en su mente.
9 El club de la lucha (1999)
Dirigida por David Fincher
Como narrador poco fiable de los acontecimientos que lo rodean, el personaje de Edward Norton acompaña al público a lo largo de su absurdo viaje de autodescubrimiento durante la película. club de lucha. Su personaje se dirige constantemente a la audiencia, intentando crear una experiencia compartida con ellos y explicando los matices y complejidades de su alter ego, Tyler Durden.
Sin embargo, a medida que avanza la historia, el estado mental del narrador parece deteriorarse, lo que le lleva a perder gradualmente el control de la realidad. El público se adentra más profundamente en su psique, pero comienza a cuestionar la veracidad de la voz de Norton. Al desdibujar las líneas entre la realidad y la ficción, tanto como un giro de la trama como un recurso cinematográfico, el público se convierte en parte de la historia. club de lucha rompe la cuarta pared de una manera sorprendente, dejando al público preguntándose qué es real y qué no.
8 Psico (1960)
Dirigida por Alfred Hitchcock
Como maestro del suspense, Alfred Hitchcock sabía cómo terminar sus películas con una nota escalofriante, creando una sensación de cierre de sus inquietantes historias y, al mismo tiempo, asegurándose de que permanecieran en el público después de los créditos. Por esta razón, la escena final de Psicópata Es uno de los finales más ingeniosos de la historia del cine. La forma en que Anthony Perkins como Norman Bates rompe la cuarta pared y se atreve a esbozar una sonrisa al público es brillante.
La preparación de la escena acentúa aún más su genialidad. La esperada revelación de la verdadera historia de Norman y su madre es impactante por lo absurdo de la situación y aterradora por la naturaleza de la psicología de Norman. Como las acciones de Norman y las razones que las motivaron son tan inquietantes, Hitchcock juega con las reacciones emocionales. El director le da a su personaje la capacidad de enfrentarse al público molesto y lo lleva con una simple mirada a la inquietante profundidad de la perturbada psique de Bates.
7 Amelia (2001)
Dirigida por Jean-Pierre Jeunet
amelia es la historia de un personaje profundamente fascinante y adorable interpretado por Audrey Tautou, cuyas peculiaridades e inocencia son la pieza central de todo. A pesar del trasfondo lúdico, hay un lado melancólico en el personaje de Amélie, acentuado por su soledad y desapego del mundo. Aunque el personaje de Tautou suele guardar silencio a medida que se desarrolla la historia, su forma de interactuar con el público vale más que cualquier otro monólogo largo.
Al romper la cuarta pared, Amélie lleva a los espectadores a su caprichosa realidad, abriéndose con el público como si fueran sus confidentes. Esta técnica permite al personaje desafiar su soledad e interactuar con el mundo exterior, en lugar de con la realidad donde vive. Si su naturaleza excéntrica le impide crear una conexión con las personas que la rodean, al ir más allá de la pantalla, desarrolla un vínculo con el público.
6 La gran apuesta (2015)
Dirigida por Adam McKay
El gran corto No es un viaje fácil. La historia de la crisis financiera de 2007-2008 es un área interesante para explorar en la pantalla grande, pero puede parecer demasiado compleja para digerirla en dos horas. Esto es especialmente cierto si el espectador no tiene un amplio conocimiento de términos como “hipotecas de alto riesgo” o “bonos”. Como consecuencia, el director necesitaba encontrar una manera creativa de dirigirse a la audiencia y guiarla a través de los puntos más finos de la historia.
La decisión de incluir a queridas celebridades en un entorno cotidiano para interactuar directamente con la audiencia y guiarla fue una idea brillante. Rompiendo la cuarta pared y adoptando un enfoque irónico, El gran corto utilizó estrellas como Margot Robbie para explicar con éxito, de una manera entretenida y accesible, las complejidades de los conceptos económicos.
5 Juegos divertidos (1997)
Dirigida por Michael Haneke
Como un thriller psicológico que cuenta la historia de dos jóvenes que atormentan brutalmente a una familia mediante tortura física y manipulación psicológica, Juegos divertidos Es una película profundamente inquietante. La capacidad de uno de los dos personajes principales, Paul, interpretado por Arno Frisch, de romper constantemente la cuarta pared y mirar fijamente a la cámara se suma a esto y provoca escalofríos.
El personaje de Arno rompe la cuarta pared cinco veces a lo largo de toda la película, a menudo sonriendo con complicidad a la audiencia. Estos momentos no están ahí simplemente para acentuar la atmósfera inquietante de la historia. Por el contrario, Paul parece deseoso de incluir también a los espectadores en sus retorcidos juegos, invistiéndolos no sólo de terror sino también de un sentido de complicidad y, por tanto, de responsabilidad por los abominables acontecimientos que se desarrollan ante sus ojos pasivos.
4 Consorcio inactivo (2016)
Dirigida por Tim Miller
Al igual que su contraparte del cómic, a partir de la película que se estrenó en 2016, Dead pool Rompe regularmente la cuarta pared e interactúa irónicamente con el público. Interpretado por Ryan Reynold, el personaje se diferencia del arquetipo clásico de los superhéroes tanto en los cómics como en las películas por su humor crudo y el contexto inusualmente violento y brutal que lo rodea.
Deadpool reconoce su carácter ficticio al dirigirse a la cámara y acentúa aún más su estatus revolucionario, dotándolo de una autoconciencia única que lo distingue de muchos personajes de Marvel. Estos momentos de reconocimiento le permiten crear una conexión íntima con un público ansioso por embarcarse en los viajes absurdos y aventureros de los superhéroes. Este enfoque desafía el tropo del héroe inaccesible, ayudando a Deadpool a convertirse en una de las figuras más entretenidas de Marvel, pero también en un personaje inusualmente identificable.
3 El día libre de Ferris Bueller (1986)
Dirigida por John Hughes
Es fácil enamorarse del encanto magnético y juguetón de Ferris Bueller, ya que Matthew Broderick logró atraer al público con su comportamiento travieso. Cuando Día libre de Ferris Bueller salió originalmente en 1986, no era común tener un personaje rompiendo constantemente la cuarta pared durante toda una película. Mientras Ferris se dirige a la cámara para permitir que la audiencia entre en sus observaciones y procesos de pensamiento internos, su papel alterna entre el personaje principal y la voz narradora.
Esto permite a los espectadores simpatizar con él y ofrece un retrato auténtico de la experiencia adolescente. La franqueza de Ferris al romper la cuarta pared crea una intimidad emocional y una sensación de compañerismo con el público. Esta técnica, entonces innovadora e inexplorada, permitió al personaje de Broderick ganarse su estatus de joven y desafiante antihéroe, no muy diferente de un personaje legendario de la literatura, Holden Caufield, en El guardián entre el centeno.
2 El lobo de Wall Street (2013)
Dirigida por Martín Scorsese
Jordan Belfort no es un personaje con el que sea fácil simpatizar, alejado del arquetipo tradicional del héroe de corazón noble. Sin embargo, Martin Scorsese logró ayudar al público a crear una conexión emocional con el controvertido personaje principal de El lobo de Wall Street. Si la actuación excepcional de Leonardo DiCaprio jugó un papel importante, también influyó su oportunidad de romper constantemente la cuarta pared. Al dirigirse periódicamente al público a medida que se desarrolla la historia, DiCaprio capta su interés.
Romper la cuarta pared no le permite a Belfort justificar sus acciones y presentarse de una manera más positiva. Sin embargo, la técnica arroja luz sobre el mundo interior del personaje, aportando una honestidad y autenticidad que es difícil no apreciar. La brillantez de estos momentos radica en cómo Scorsese lleva al público a una historia de ambigüedad moral.
1 La naranja mecánica (1972)
Dirigida por Stanley Kubrick
De manera similar a PsicópataKubrick permite que el personaje principal, Alex, interpretado por Malcolm McDowell, rompa la cuarta pared en La naranja mecánica como una forma de enfatizar los temas inquietantes de la película. Sin embargo, en este caso, el director elige un enfoque completamente diferente en el momento de dejar entrar al público en la historia. En lugar de esperar hasta el final para que el personaje de Alex invite a la audiencia a entrar, la película comienza con McDowell mirando directamente a la pantalla.
Alex ofrece una sonrisa escalofriante al público, preparando un escenario aterrador para lo que está a punto de suceder. A través de una mirada breve pero penetrante, Alex comparte un vistazo de su psique retorcida con los espectadores como una advertencia (o una promesa) de la inquietante experiencia en la que están a punto de embarcarse. La naranja mecánica rompe la cuarta pared de una manera inquietante y brillante, mucho antes que muchas películas modernas que hicieron lo mismo con éxito.
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