12 películas con una cinematografía tan asombrosa que solo querrás mirarlas

Resumen

• Una gran cinematografía puede convertir las películas en hermosas obras maestras al capturar imágenes a través de la iluminación, el encuadre y más.
• La cinematografía puede ayudar a contar la historia de los personajes sin diálogo, utilizando cambios sutiles de luz y enfoque para retratar su estado interno.
• Cada película mencionada en el artículo muestra una cinematografía impresionante, con estilos visuales únicos que mejoran la narración y crean experiencias inmersivas.

Los fanáticos ocasionales del cine suelen subestimar la cinematografía, pero una excelente cinematografía puede convertir películas bien elaboradas en hermosas obras maestras. La cinematografía generalmente se malinterpreta, ya que algunas personas tienden a atribuir el trabajo de los directores a los directores de fotografía y viceversa. En pocas palabras, la cinematografía es el arte de capturar imágenes para cine y televisión, lo que incluye iluminación, encuadre, profundidad de enfoque, contraste, color y más. Los directores de fotografía y directores a menudo trabajan muy estrechamente entre sí para lograr el aspecto deseado, lo que en algunos casos lleva a asociaciones que duran décadas.

Una buena cinematografía puede crear magníficas obras de arte, pero también puede ayudar a contar la historia de los personajes sin necesidad de diálogo. Los cambios sutiles en la luz y el enfoque pueden revelar mucho sobre cómo se siente un personaje o qué le interesa, y una cinematografía audaz es una forma de retratar el estado interno de un personaje utilizando factores externos. Aunque la mejor cinematografía complementa una película, en lugar de distraerla, algunas películas son tan hermosas que se pueden apreciar con el sonido apagado.

12 Roma (2018)

Cinematography: Alfonso Cuarón

Emmanuel “Chivo” Lubezki, colaborador de mucho tiempo de Alfonso Cuarón, se llevó a casa el Oscar a la Mejor Fotografía por tres años consecutivos, un récord por Gravedad (2013), hombre pájaro (2014), y el renacido (2015), pero un conflicto de programación hizo que Cuarón rodara romaníes él mismo. En lugar de utilizar el blanco y negro para crear sombras audaces y expresivas como tantas otras películas, romaníesEl uso de la composición monocromática es mucho más simple y realista.. A pesar de su color, romaníes es mucho más estilísticamente moderno que películas como Ciudadano Kane o El tercer hombrecon el color eliminado para centrar más la atención en la composición.

11 El gran hotel Budapest (2014)

Fotografía: Robert Yeoman

Gracias a su colaboración con Robert Yeoman, Wes Anderson es uno de los directores visualmente más distintivos del siglo XXI. Su uso de composiciones planas, travellings laterales y ángulos de cámara perfectamente rectos dan a sus películas una sensación lúdica, lo que genera comparaciones con los bocetos de un niño o un diorama. El gran hotel Budapest podría ser la mejor película de Wes Anderson, ya que sus toques estilísticos complementan perfectamente una caprichosa travesura de historia alternativa. El gran hotel Budapest es más audazmente colorido que muchas de sus otras películas, dejando de lado el realismo para acomodar una historia dentro de otra historia.

10 Barry Lyndon (1975)

Fotografía: John Alcott

Vale la pena ver todas las películas de Stanley Kubrick por su magnífica cinematografía, pero Barry Lyndon todavía se destaca entre la multitud. Inspirándose en su entorno del siglo XVIII, Barry Lyndon Utiliza tomas amplias de los campos británicos e irlandeses para imitar paisajes pintados al óleo, como los de John Constable y Thomas Gainsborough. La apertura de estas composiciones requiere una dependencia de la luz natural.pero esto sólo aumenta la sensación expansiva y vacía de la película, que apoya el tema del azar que influye en los eventos tanto personales como globales.

9 Ella (2013)

Fotografía: Hoyte van Hoytema.

Gran parte del atractivo visual de Su Esto se puede atribuir al creativo diseño de producción, que alberga nuevas tecnologías de ciencia ficción en objetos cotidianos familiares, pero la cinematografía de Hoyte van Hoytema no debería pasar desapercibida. Hay varias tomas amplias de una ciudad ocupada, pero se sienten vacías a pesar de las hordas de gente. Esto hace que los personajes parezcan completamente solos e incapaces de conectarse a nivel humano, incluso cuando están rodeados de otras personas que enfrentan el mismo problema. La luz dorada que a veces se derrama sobre la ciudad contrasta maravillosamente con el azul frío de las pantallas de los ordenadores por la noche.

8 WALL-E (2008)

Fotografía: Martín Rosenberg

Pixar tomó un gran riesgo con WALL-E, decidir contar una historia principalmente sin diálogo y sin personajes humanos con los que el público pueda identificarse fácilmente. Esto impone una presión adicional a la cinematografía para contar la historia a través de señales visuales, pero también para expresar emociones utilizando la iluminación y la composición de las tomas. A partir de muchas películas espaciales clásicas, WALL-E Utiliza un gran sentido de escala para aislar a su protagonista en un mundo extraño y árido. Las enormes reliquias de la sociedad humana en la Tierra actúan como un telón de fondo sombrío, un recordatorio constante de la tragedia que rodeó la creación de WALL-E.

7 Retrato de una dama en llamas (2018)

Fotografía: Claire Mathon.

Retrato de una dama en llamas cuenta la historia de una artista y su tema, y ​​la película en sí es una obra maestra visual. El magnífico lugar está coloreado por una cálida luz otoñal, lo que sugiere que la naturaleza fugaz del amor de Marianne y Héloïse nunca podrá durar. Las tomas exteriores son luminosas y libres, mientras que el interior está iluminado con un brillo tenue e íntimo. Este contraste refleja perfectamente la dualidad de la relación entre las dos mujeres, revitalizadas por su amor, pero sabiendo en el fondo que sus sueños de vivir a la intemperie no son realistas.

6 Zodíaco (2007)

Fotografía: Harris Savides.

David Fincher crea películas extremadamente inmersivas siguiendo cada movimiento de sus personajes con su cámara. Esta técnica hipnotizadora se utiliza en Zodíaco para colocar al público en el lugar del asesino, creando tomas incómodamente voyeuristas de personajes con elevados sentidos de paranoia. Zodíaco se centra en la obsesión personal de Robert Graysmith con el asesino, y la cuidadosa composición de la toma a menudo lo hace parecer pequeño y solo.

5 Fargo (1996)

Fotografía: Roger Deakins

El legendario director de fotografía británico Roger Deakins se ha ganado un inmenso respeto por sus colaboraciones con Sam Mendes, Denis Villeneuve, los hermanos Coen y muchos otros grandes directores. Para Fargo, Deakins trabajó con los hermanos Coen para comunicar la enorme frialdad de Dakota del Norte y Minnesota. A menudo se encuadra a Jerry completamente solo contra fondos nevados, como un alma perdida a la deriva por el purgatorio.

4 Lawrence de Arabia (1962)

Fotografía: Freddie Young

La icónica partitura orquestal de Lawrence de Arabia es perfecto para tomas amplias del desierto, dando una sensación de majestuosidad exótica a la historia de la búsqueda de TE Lawrence para unir a las tribus árabes en el Imperio Otomano durante la Primera Guerra Mundial. Bajo un cielo despejado que grita de posibilidades infinitas, Lawrence se ve envuelto en agitación política y batallas sangrientas. La serenidad de los planos generales es un contrapunto inteligente a las luchas discordantes de los personajes.

3 Enlodado (2017)

Fotografía: Rachel Morrison.

Por su trabajo en embarrado, Rachel Morrison se convirtió en la primera mujer nominada al Premio de la Academia a la Mejor Fotografía. Su uso magistral de la luz natural colorea el delta del Mississippi con tonos cálidos, atrapando a los personajes en una especie de estasis melancólica después de la Segunda Guerra Mundial. Los tonos terrosos de embarrado son un maravilloso telón de fondo naturalistay realzan el contraste con llamativas salpicaduras de sangre carmesí.

2 Conducir (2011)

Fotografía: Newton Thomas Sigel.

Conducir utiliza composiciones de tomas en capas para revelar detalles ocultos sobre sus personajes, incluso cuando rechazan estas verdades externamente. Al colocar a los personajes en las esquinas del encuadre, Newton Thomas Sigel y el director Nicolas Winding Refn pueden utilizar el espacio negativo para contar la historia de sus miedos y deseos. Gran parte del carácter del Conductor permanece bajo la superficie, pero el intenso brillo de las farolas ilumina mucho más que él. ConducirLa versión de Los Ángeles de mala muerte es una ciudad embriagadora y de ensueño.

1 Apocalipsis ahora (1979)

Fotografía: Vittorio Storaro.

Los dramáticos contrastes entre luces y sombras y los tonos altamente saturados de Apocalipsis ahora todos contribuyen a un paisaje infernal, basándose temáticamente en Joseph Conrad, así como narrativamente. Francis Ford Coppola y Vittorio Storaro crearon una imagen profundamente inmersiva de la guerra, con el caos como base, lo que ayudó a exagerar la escalofriante entrada de Kurtz. La saturación es clave para transmitir el peligro visceral de incendios y explosiones. Atraen la atención hacia ellos mientras atraviesan los exuberantes verdes del bosque vietnamita.