10 animes clásicos de los 80 que nunca llegaron a ser populares

Más allá de la edad de oro de los 90, los 80 fueron una era importante para el anime. Los creadores fueron más allá del simple entretenimiento y exploraron ideas poco convencionales y enfoques artísticos audaces. Mientras que títulos famosos como akira y bola de dragón ganó popularidad mundial, muchas películas de anime de la misma década pasaron desapercibidas.

Recibieron elogios de la crítica, pero tuvieron dificultades para llegar a una audiencia más amplia debido a factores como la distribución limitada, los lanzamientos directos en video, la censura, el marketing de nicho y los estilos considerados demasiado oscuros para el público general. Algunos incluso exigieron conocimientos culturales, mientras que otros evitaron explicaciones.

A pesar de estos problemas, estos animes se erigen como monumentos artísticos que luego influyeron en los creadores y ampliaron lo que el anime podía lograr. Esta lista explora diez de estos clásicos, sus historias, temas, importancia cultural y los factores que les impidieron un reconocimiento más amplio.

Pequeño Nemo: Aventuras en Slumberland (1989)

Pequeño Nemo: Aventuras en Slumberland se centra en el joven Nemo. Llevado de su casa de Nueva York a Slumberland, se convierte en compañero de juegos y heredero del Rey Morfeo. Al darle una llave dorada, abre una puerta prohibida debido a las tentaciones del payaso Flip y desata al Rey Pesadilla. Con sus aliados, Nemo emprende una búsqueda con planes para restablecer el orden.

La película explora temas interesantes como la curiosidad y las amistades interculturales. Se argumenta que el anime merece ser popular debido a su potencial creativo, atractivo visual y personajes alegres que atraen al público familiar.

Sin embargo, fracasó debido a un desarrollo prolongado con rotación de personal, una identidad de coproducción fragmentada entre Japón y Estados Unidos que confundió a los mercados y una tirada limitada de salas de cine. Quedó relegado a un éxito local, nada más.

MD Mente (1986)

Ambientada en un mundo post-apocalíptico, Jerra diseñó al súper soldado Geist durante una guerra. En la primera animación de video original, se alía con bandidos y un equipo militar para derrotar el dispositivo apocalíptico “Death Force”, solo para activarlo, lo que resulta en una destrucción masiva. El resto de la secuela lo muestra desmantelando máquinas, luchando contra el señor de la guerra Krauser y librando batallas devastadoras.

El programa exploró temas como la deshumanización mediante la manipulación genética, la inutilidad de la guerra, la incertidumbre moral en las alianzas y la destrucción del mundo, con Geist encarnando la violencia. A pesar de su entretenida acción y los elogios como “el mejor anime malo jamás realizado” por parte de su licenciante estadounidense, MD Geist no pudo traspasar el techo de la corriente principal.

Lamentablemente, la serie tuvo que mantenerse en un nicho debido a fallas de producción de un director sin experiencia, imágenes poco atractivas debido a recortes presupuestarios, revisiones de guiones y contenido oscuro que dividió a los espectadores en general, combinado con lanzamientos originales de animación en video que carecían de marketing general.

Guerras de Venus (1989)

Guerras de Venus muestra a Susan Sommers llegando a la ciudad afrodia de Lo en medio de una invasión de las fuerzas del norte de Ishtar. Un equipo de carreras de patinaje llamado Killer Commandos, liderado por Hiro Sen, se ve atrapado en un conflicto. Descubren la corrupción gubernamental con granjas fallidas. Hiro, su novia y sus aliados se unen a la resistencia. Hiro finalmente destruye el tanque de Donner para liberar a Lo.

La película describe una toma de poder militar, corrupción y sacrificios en tiempos de guerra. Estas cualidades brillan en la acción enérgica, con las partituras de Joe Hisaishi, y en las carreras de ciencia ficción inspiradas en Rollerball. Al menos, la película merecía el atractivo general por su narración sencilla y su exploración de la guerra.

Sin embargo, la distribución limitada a través de empresas como Central Park Media, la falta de estrenos en cines y el confinamiento a canales específicos impidieron que llegara a una audiencia más amplia. Incluso con doblajes en inglés y lanzamientos de Blu-ray posteriores, no logró superar estas limitaciones.

La daga de Kamui (1985)

La daga de Kamui trata sobre Jirō, un huérfano mixto ainu-japonés incriminado por el asesinato de su familia. Se encuentra con el manipulador monje Tenkai y entrena en ninjutsu. Mientras busca venganza y un tesoro vinculado al Capitán Kidd, Jirō aprende sobre traiciones que involucran a su herencia.

Viaja a Estados Unidos y se encuentra con figuras como Mark Twain y Geronimo antes de regresar a Japón.

La película es elogiada por su animación de alta calidad, coreografía de batalla, guión y una música ecléctica de rock balinés. Esta epopeya merece un estatus generalizado como una aventura histórica mezclada con una tradición ninja basada en hechos reales. Sin embargo, barreras como las profundas referencias culturales, la necesidad de conocer la historia japonesa, la intensa edición estadounidense y la falta de una franquicia la limitaron a un culto.

Generación descalza Está basado en el manga de Keiji Nakazawa. La historia retrata las luchas del general Nakaoka y su familia en Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial; Desafortunadamente, el bombardeo atómico mata a la mayoría de sus familiares. Sobrevive con su madre y su hermana recién nacida, afrontando la radiación, el hambre y las pérdidas, mientras adopta a un huérfano durante la rendición de Japón y descubre la esperanza en los brotes de trigo.

La película retrata la guerra a través de los ojos de un niño, representando la supervivencia, el trauma y la resiliencia. Con una puntuación del 71% en Rotten Tomatoes, las representaciones realistas y las referencias históricas de la historia merecieron un reconocimiento más amplio como un drama educativo pero agridulce. La descripción del horror nuclear y el sufrimiento infantil limitó su atractivo, ya que los estrenos retrasados ​​​​en EE. UU. y el estado específico de animación para adultos impidieron un gran avance.

Dallas (1983)

Dallas describe un futuro en el que los recursos de la Tierra se han agotado y la supervivencia depende de la Luna. Debido al duro trato que reciben, los trabajadores lunares y muchos colonos se rebelan contra el control de la Tierra y ponen su esperanza en una misteriosa estructura llamada Dallos. En el centro de la historia está el joven Shun Nonomura, un idealista atrapado entre la lealtad a su familia y la simpatía por los rebeldes.

El anime gira en torno a temas de explotación colonial, rebelión, violencia y tensión entre las generaciones mayores y más jóvenes. El programa plantea preguntas como si la rebelión está justificada y cómo responder a la opresión. La historia se centra menos en héroes y villanos y más en los conflictos causados ​​por la desigualdad y el control.

Como la primera animación de video original, Dallas tiene reputación en la historia del anime y ayudó a inspirar historias de ciencia ficción posteriores. A pesar de esto, siguió siendo una película local porque fue lanzada en video, censurada en las primeras versiones en inglés y comercializada principalmente para fanáticos especializados de la ciencia ficción. Incluso con la versión sin cortes lanzada en 2014, nunca recibió la atención generalizada.

Ciudad malvada (1987)

ciudad malvada sigue a Taki, un agente del gobierno encargado de proteger a Giuseppe Mayart, una figura que mantiene la paz entre humanos y demonios. Trabaja con Makie mientras los demonios intentan romper el tratado y comenzar una guerra. A medida que enfrentan ataques y traiciones, Taki y Makie se vuelven más cercanos, desarrollando un vínculo que será importante para el futuro de ambos mundos.

La película refleja conceptos más oscuros de poder, violencia y cómo se trata a las mujeres en sistemas peligrosos. Dirigida por Yoshiaki Kawajiri, la película es elogiada por su ritmo rápido, imágenes impactantes y efectos de acción geniales. Sin embargo, su contenido centrado en adultos, su lanzamiento, su censura y sus débiles doblajes en inglés impidieron que llegara a una audiencia amplia, convirtiéndolo en un clásico de culto en lugar de un éxito generalizado.

Cazador de vampiros D (1985)

Cazador de vampiros D es una historia ambientada en un futuro lejano. La historia narra la historia de D, un guerrero mitad humano, mitad vampiro conocido como dhampir. Es contratado por una joven llamada Doris Lang después de que ella fuera mordida por el vampiro Conde Magnus Lee. Mientras D caza al Conde, se enfrenta a monstruos, humanos enojados y su propia lucha con su lado vampírico.

D es temido tanto por los humanos como por los vampiros, lo que lo deja aislado. La película reflexiona sobre la redención y el prolongado conflicto entre humanos y vampiros en un mundo roto, explorando temas de aislamiento, prejuicios y autocontrol.

Conocido por su humor oscuro, tono violento y diseños de personajes de Yoshitaka Amano, inspirados en películas de terror occidentales clásicas. Si bien la animación fue elogiada, los críticos notaron que la trama resultaba familiar. El presupuesto limitado, los deficientes doblajes en inglés, la orientación a adultos y el lanzamiento impidieron que se convirtiera en algo común, a pesar de que luego se transmitió por la televisión estadounidense.

Noche en el ferrocarril galáctico (1985)

Noche en el Ferrocarril Galáctico cuenta la historia de un joven gato llamado Giovanni, que sube a un tren mágico que viaja a través de las estrellas con su amiga Campanella. Mientras viajan por la galaxia, se encuentran con extraños pasajeros. Al final, Giovanni se entera de que Campanella se ha ahogado en el mundo real.

La película avanza a través de la fantasía infantil hasta la muerte, la amistad, el sacrificio y el desahogo. También incluye símbolos cristianos y preguntas sobre el destino de las almas después de la muerte. Lo que comienza como una aventura se convierte en una reflexión sobre la pérdida y el crecimiento.

La película ganó el premio Ōfuji Noburō de 1985 y es elogiada por su belleza, sus suaves partituras de Haruomi Hosono y sus personajes animales únicos. De todos modos, sigue siendo desconocido porque era un programa independiente, largo, oscuro y no apto para niños.

El huevo de ángel (1985)

huevo de ángel está ambientado en un mundo en ruinas, donde una joven protege un huevo frágil. Conoce a un chico extraño y los dos viajan juntos a través de ciudades vacías llenas de imágenes. Cuando el niño rompe el huevo, la niña queda devastada. Esto lleva a un final inquietante.

La película no se explica claramente. En cambio, explora ideas sobre la fe, la esperanza, los sueños, la pérdida y la realidad a través de un fuerte simbolismo. Influenciada por pensadores como Carl Jung y el cineasta Andrei Tarkovsky, la historia invita a los espectadores a reflexionar.

En Japón, la película es considerada una obra maestra poética y en Occidente ha ganado un estatus de culto por sus imágenes y atmósfera oscuras. Sin embargo, su falta de diálogo, trama críptica y estilo experimental confundieron a muchos espectadores. Esto limitó el estreno de la película y la mantuvo reservada para audiencias específicas.