La década de 1990 marcó un período fundamental en el anime, ya que redefinió la percepción global de la animación japonesa. Era un momento en que los estudios experimentaron con ideas arriesgadas, acompañadas de estilos de arte y temas dibujados a mano distintivos que iban mucho más allá de las ofertas de dibujos animados en la televisión occidental.
En esta época, el anime acababa de comenzar a forjar su identidad como un medio que podría ser serio, experimental o profundamente emocional, al tiempo que aún ofrece una acción más grande que la vida. Como era de esperar, los títulos específicos se elevaron por encima del resto, estableciéndose como los flageradores para el futuro del anime.
Para muchos fanáticos veteranos, estos espectáculos se convirtieron en la puerta de entrada a una pasión de por vida. Y para los fanáticos más nuevos, son una visita obligada porque no solo capturan la ambición y la creatividad cruda del tiempo, sino que también son piezas fundamentales del medio.
10
Golpear
Antes Golpearel anime deportivo a menudo dependía de la exageración, y ninguno había logrado ningún impacto cultural real. Sin embargo, la serie de Takehiko Inoue fue diferente en lo humanamente cruda que hizo sentir el baloncesto sin sacrificar nada de su humor previsto. La historia comienza con el personaje central, Hanamichi Sakuragi, un delincuente voluble que está más interesado en impresionar a las niñas que ganar juegos.
Sin embargo, su crecimiento en un jugador dedicado es donde el programa encuentra su pulso. Los partidos se sienten dibujados, no en un arrastre, sino de una manera que construye el juego de suspenso en juego, donde cada cesta aterriza como un disparo climático.
Fuera de la cancha, la dinámica del equipo de Sakuragi (rivalidades, rencor, camaradería) refleja la intensidad real de la adolescencia, encapsulando la historia en una sensación elevada de conexión. Para muchos, Golpear No se trataba solo del deporte; Se trataba de lo que el juego significaba para sus jugadores, y esto sigue siendo cierto hoy.
9
Princesa Mononoke
Hayao Miyazaki’s Princesa Mononoke no es solo una de las mejores obras de Studio Ghibli; Es la película de anime definitoria de los años 90. Epic en alcance e impresionante en su arte, la película abordó temas de destrucción ambiental, codicia humana y coexistencia con una complejidad raramente vista en la animación en ese momento.
La historia sigue el viaje de Ashitaka hacia una tierra dividida entre la expansión industrial y la ira de los dioses antiguos, desarrollándose como un mito profundamente arraigado en las ansiedades del mundo real. Las imágenes dibujadas a mano de la película son asombrosas en sus detalles, y la puntuación de Joe Hisaishi aumenta la sensación de grandeza.
A diferencia de muchas otras películas de Ghibli, Princesa Mononoke No ofrece una respuesta simple a las preguntas difíciles que plantea o una resolución perfectamente vinculada. En cambio, deja un conflicto moralmente ambiguo que obliga a la audiencia a luchar con el desorden de su mensaje: progreso versus preservación. Es un mensaje tan urgente e importante hoy como lo fue hace casi tres décadas.
8
Experimentos en serie que permanecen
Si hay una serie de los años 90 que se siente inquietantemente más relevante ahora que cuando se emitiera, será Experimentos en serie que permanecen. El clásico ciber-arrerealista exploró temas de identidad digital, soledad y realidad misma en un momento en que Internet todavía estaba en su infancia, casi como un precursor del futuro.
El personaje central de la historia, Lain Iwakura, es una colegiala tranquila que se enreda dentro de una red virtual llamada The Wired, difuminando la línea entre la conciencia humana y la tecnología. Más allá de la historia, las imágenes experimentales del programa y la atmósfera inquietante lo hacen diferente a cualquier otra cosa en el anime.
Su estado de ánimo es denso y críptico, y exige un compromiso activo de su audiencia, pero eso es precisamente lo que le da su poder duradero. Ver Lain hoy se siente profético, casi como una predicción de la edad actual de las redes sociales y la forma en que la tecnología remodelaría nuestra comprensión de la identidad.
7
Trigón
Escrito por Yasuhiro Nightow, Trigón fue el equivalente de anime de un espectáculo occidental polvoriento envuelto en filosofía de ciencia ficción. En el centro de todo estaba Vash the Stampede, un hombre armado con una recompensa ridícula en la cabeza y una personalidad que parecía demasiado tonta para igualar su fuerte reputación.
Lo que hizo que la serie fuera inolvidable fue la conmovedora tensión entre el pacifismo de Vash y el mundo violento que lo rodeaba, y esta contradicción impulsó la historia. Debajo de la comedia y la bofetada había una historia lidiando con la moral, la pérdida y el costo de elegir la paz en un mundo hostil.
Todos transmitidos a través de Vash mismo. Los paisajes estériles, cazadores de recompensas y villanos excéntricos de la serie le dieron un estilo arenoso pero vibrante que, a lo largo de los años, ahora se ha vuelto reconocible al instante.
A diferencia de muchos otros, Trigón Presenta su mensaje de pacifismo con el nivel de realismo requerido, como radical y agotador, y este enfoque es precisamente por qué el programa golpea mucho más duro de lo esperado. Porque se atrevió, como otros en esta lista, a hacer una pregunta diferente de su tiempo.
6
Rurouni Kenshin
Debajo de las peleas de espada de Rurouni Kenshin se encuentra una historia sobre la expiación. Ambientada en la era Meiji de Japón, la serie combinó la ficción histórica con la narración emocional de una manera que nunca antes se había hecho. El protagonista, Kenshin Himura, una vez que el asesino más temido de Japón, promete nunca volver a matar, haciendo que sus batallas en la historia sean tan filosóficas como sobre la espada.
A través de este conflicto moral, la historia cobra vida y plantea la cuestión de cómo luchas contra la violencia sin convertirte en parte del ciclo. Esto le dio a la serie peso que muchos anime carecían en ese momento y aún carece de ahora. El telón de fondo histórico de la era Meiji agrega textura, fundamentando aún más las luchas de los personajes en un mundo atrapado entre la tradición y la modernidad.
En capas sobre el humor y el romance, equilibra sus temas más oscuros, haciendo que los ritmos más pesados aterren con mayor impacto. A pesar de que años de controversia sobre el creador de la serie han comprometido su legado, el anime en sí se destaca como una de las exploraciones más agudas de la redención y la moralidad de los 90.
5
Yu Yu Hakusho
Si los años 90 tuvieran una joya de la corona de narración de narración de shonen, ese anime sería Yu Yu Hakusho. Lo que comenzó como una historia de un adolescente delincuente morir para salvar a otro rápidamente se convirtió en uno de los mejores cuentos sobrenaturales del anime. Sin embargo, la serie no se destacó únicamente por sus peleas.
El viaje de Yusuke Urameshi de Street Punk a Spirit Detective resonó porque nunca abandonó sus bordes ásperos, incluso a medida que su corazón y su vida se hicieron más grandes. Por otro lado, el arco del torneo oscuro sigue siendo un punto de referencia en la historia de Shonen, ya que equilibró grandes poderes con apuestas profundamente personales. Pero no se trataba solo de las batallas.
El arco reflejaba con precisión todo entre Yusuke, Kuwabara, Kurama y Hiei, convirtiéndose en uno de los escuadrones más queridos del anime. Incluso después de más de dos décadas, Yu Yu Hakusho’s El arco del torneo oscuro sigue siendo la plantilla para construir tensión sin hinchazón de la historia, consolidándose como un clásico de culto.
4
Sailor Moon
Mientras que Shonen dominó una parte significativa de la propagación global del anime en ese momento, Sailor Moon Llegó y demostró que salvar el mundo no tenía que ser el dominio de los guerreros estoicos o los héroes masculinos elegidos, iniciando efectivamente el tropo mágico de niñas. Más que una simple historia, la serie creó un plan para el heroísmo que resonó en todos los grupos de edad.
Su personaje central, Usagi Tsukino, no es la protagonista ideal, ya que es torpe y a menudo llena de emociones. Sin embargo, esa relación resultó ser la base de un ícono cultural. El programa combina humor, romance y batallas con un ritmo que se siente infinitamente observable; Sin embargo, su verdadero poder de permanencia radica en sus temas de lealtad e identidad.
En la serie, los Sailor Guardianes no solo eran compinches; Eran la familia encontrada de Tsukino. A través de ellos, la serie redefinió efectivamente las profundidades de la camaradería en el anime. Después de más de tres décadas, su influencia aún se siente firmemente en los principales medios de comunicación.
3
Fantasma en el caparazón
Antes de que Cyberpunk se convirtiera en la corriente principal, Mamoru Oshii Fantasma en el caparazón Estaba colocando los cimientos en algún lugar del anime. En el papel, es una ciencia ficción cibernética sobre policías cyborg que persiguen a un hacker deshonesto. En la pantalla, es una meditación lenta sobre lo que nos hace humanos como el límite entre carne y máquina se desdibuza entre sí.
Con sus melancólicos paisajes urbanos y diálogo filosófico, el anime planteó preguntas sobre la identidad, la conciencia y el concepto de humanidad en un mundo dominado por la tecnología. El protagonista de la historia, el mayor Motoko Kusanagi, no se enmarca como un héroe intocable; Tanto su fuerza como su incertidumbre contribuyen a la inquietud central de la película.
Combinado con una innovadora animación digital en capas sobre el arte dibujado a mano, la película todavía mira por delante de su tiempo en el departamento de ciencia ficción. Incluso Hollywood ha prestado sin cesar; Un caso en cuestión es La matriz. Nada afirma el legado mejor que ser la fuente de inspiración para una de las exportaciones más emblemáticas del género de ciencia ficción.
2
Vaquero
Vaquero Destilado todo genial sobre los años 90 en veintiséis episodios elegantes. A primera vista, es un espacio occidental sobre un grupo de cazadores de recompensas que se raspan desde el trabajo hasta el trabajo. Cada episodio se siente autónomo, pero debajo de él se encuentra una meditación fracturada sobre la soledad, el arrepentimiento y la incapacidad de superar el pasado.
Spike Spiegel y su equipo disfuncional siguen siendo inolvidables no solo por sus peculiaridades, sino por lo reales que se sienten sus luchas individuales. Cowboy Bebop yoNfluence también se extiende a la música, ya que establece el estándar para componer música para el anime. La banda sonora impulsada por el jazz de Yoko Kanno es inseparable de la identidad del programa, convirtiendo escenas de persecución y momentos tranquilos por igual en pura brillantez cinematográfica.
Su combinación de géneros, desde ciencia ficción hasta Noir, Western y Slice of Life, fue innovadora y todavía se siente sin esfuerzo hoy. Ya sea que lo esté viendo por primera vez o la décima Vaquero Demuestra por qué no es solo un clásico, sino una de las series de anime universalmente recomendadas de todos los tiempos.
1
Neon Genesis Evangelion
En el momento Neon Genesis Evangelion Aventado, no simplemente sacudió la escena; Reescribe las reglas. Lo que comenzó como una serie estándar de “pilotos vs alienígenas”, la serie mecha se convirtió rápidamente en algo más en capas, inquietante e innegablemente más humano. Evangelio presentó un desafío a su audiencia con profundidad psicológica, simbolismo religioso y exploraciones crudas de depresión e identidad.
Para muchos, fue el primer anime que se sintió menos como el escapismo y más como el arte que te devolvió la mirada directamente. El controvertido final del anime solo solidificó su lugar en la historia del anime, generando debates que han continuado durante décadas.
Hasta el día de hoy, pocos espectáculos han logrado combinar imágenes sorprendentes, personajes complejos y ambición temática de manera tan efectiva como Evangelio. Verlo ahora sigue siendo una experiencia muy intensa, pero una que revela cuán lejos estaba dispuesto a superar sus límites desde la década de 1990.