Si lo piensas bien, hay algo en una historia sobre la mayoría de edad que nos absorbe como Black and Decker Hand Vac, ya sea en el cine, la literatura o la música. Tal vez Nos permite relacionarnos con el protagonista en un nivel más profundo.ya que conseguimos seguir a la persona o personaje en su viaje de triunfos y derrotas.
Una historia típica sobre la mayoría de edad documenta a un niño o un joven que crece hacia sí mismo después de enfrentar desafíos personales, algo que una larga lista de músicos ha hecho magistralmente en álbumes.
Piensa en Lauryn Hill La mala educación de Lauryn Hilly cómo invitó a los oyentes a emprender su camino de maduración mientras lidiaba con una relación difícil y absorbente. O los trazos LP ¿Es esto? por cómo el cantante Julian Casablancas cantó sobre su yo de veintitantos años antes de que la banda alcanzara el estrellato.
Para decirlo claramente, nos encantan los álbumes sobre la mayoría de edad por estos lares, y estos son algunos de nuestros favoritos.
Los suburbios – Arcade Fire
Años antes de que la controversia en torno al cantante Win Butler atenuara la relevancia de Arcade Fire, Una de las declaraciones duraderas de la banda fue el álbum conceptual cinematográfico de 2010, Los suburbios. Construido líricamente en torno a la educación de Butler y su hermano en The Woodlands, Texas, el disco refleja las esperanzas, los sueños y los aburridos anhelos de la vida suburbana.
Arcade Fire, que habita en algún lugar entre la glamorosa nueva ola y la instrumentación popular apocalíptica de brasas de velas, planta un jardín de géneros junto con la esperanza de que crezcan flores.
Lo que llega incluye la pasión por los viajes de la canción principal, el punk-rock emocionalmente turbulento de “Month of May”, la tecnología que mata la inocencia en “Deep Blue” y la maravilla de la anticipación perdida con “We Used To Wait”.
Si bien la metáfora artística abunda en Los suburbios, profundizar más muestra simples dolores de crecimiento en la mayoría de edadcomo querer apreciar los momentos de un niño que se fueron rápidamente, la pérdida de esperanzas y sueños inocentes, así como el deseo de compartir lo que es precioso con los tuyos antes de que intervenga la guerra o el tiempo.
Los suburbios pinta con cera nostálgica y crece con la misma rapidez.
Chris Hedden
Él es el DJ, yo soy el rapero. — DJ Jazzy Jeff y el Príncipe del Rap
Distribuidos en hogares suburbanos como suministros para refugios antiaéreos en la década de 1950, DJ Jazzy Jeff & the Fresh Prince’s Él es el DJ, yo soy el rapero. Sonó una llamada de alarma anunciando la llegada del hip-hop a la América blanca..
Antes de su lanzamiento en 1988, el dúo había experimentado un leve éxito con su álbum debut, Rock la casa y su sencillo de muestreo “I Dream of Jeannie”, “Girls Ain’t Nothing But Trouble”.
Pero “Parents Just Don’t Understand” (que les valió el primer Grammy por música rap) puso de relieve de forma fina y permanente el distanciamiento cultural generacional que continúa perdurando en la actualidad.
El hecho de que fuera esta forma musical relativamente nueva la que subrayaba la división entre los niños y sus padres la hacía mucho más poderosa.
Pero la letra de la canción llevó su atractivo a otro nivel, primero con una historia sobre un hijo que soporta las compras de ropa poco atractivas de su madre, y luego una segunda sobre cómo pedir prestado el auto de su padre mientras está fuera de la ciudad.
Existe una tremenda universalidad en que los adolescentes busquen la aprobación de sus compañeros, se definan a través de su vestimenta y, por supuesto, pongan a prueba los límites de la edad adulta. Will Smith lo hizo pegadizo, divertido y demasiado identificable a la vez..
Lo destacable del álbum es que muchas de sus canciones son así; desde su tema de apertura que imita “A Nightmare on Elm Street” hasta “Time to Chill” y “My Buddy”.
Entonces, los oyentes sintieron que el dúo les estaba hablando como a un compañero y una persona que aún podría estar pasando por estas pruebas, incluso después de experimentar suficiente éxito como para que la Reina de España supiera cuál es el verdadero nombre de Fresh Prince.
Los líderes de la News School, y especialmente The Pharcyde, sólo unos años más tarde ofrecerían capas adicionales de sofisticación a los retratos de la vida adolescente de la música rap que estaban menos limitados desde los orígenes urbanos de algunos de sus homólogos.
Pero DJ Jazzy Jeff & the Fresh Prince tenían 20 años cuando salió el álbum, lo que significa que estaban haciendo música para adolescentes cuando eran adolescentes, y es por eso que todavía tiene una influencia tan poderosa hoy en día.
al escuchar el es el djno regresas simplemente a la primera vez que lo escuchaste, recuerdas cuando pasaste por las experiencias sobre las que están rapeando.
Todd Gilchrist
Enema del Estado – Blink-182
La música de Blink-182 siempre ha estado teñida de un toque de inmadurez, aunque a menudo es mucho más que un indicio. Esa inmadurez y humor adolescente es lo que les valió su fama a mediados de los 90. Cuando lanzaron su tercer y más exitoso álbum, Enema del Estado en 1999, esa inmadurez adolescente comenzó a tomar un ligero desvío hacia la realidad.
Su tercer álbum cinco veces platino no solo tocó temas típicos del crecimiento, concretamente en “Going Away To College”, sino que también se basó en temas mucho más oscuros y serios que obligan a uno a crecer mucho más rápido de lo que quizás quisieran.
Me refiero a “Adam’s Song”, que trata temas de suicidio y enfermedades mentales, alejándose de su tema típico.
Si alguna vez hubo un álbum que tiene en cuenta la idea de crecer y abarca total y completamente el significado de la mayoría de edad, ese es el de Blink-182. Enema del Estado lo es.
Laura Cohen
Buen chico, ciudad loca – Kendrick Lamar
La obra de Kendrick Lamar de 2012, Buen chico, ciudad loca.hizo lo que hizo Rakim cuando él y Eric B lanzaron su álbum Pagado en su totalidad en 1987, y lo que hizo Nas con su gema de 1994 ilmático en los años 90: Lamar creó un nuevo modelo para los raperos que querían ser líricosaquellos que deseaban ser narradores y utilizar la prosa poética para detallar la lucha y el crecimiento.
El título del LP por sí solo prepara el escenario para la historia de Lamar sobre su crecimiento en Compton, California, mientras usa cada canción para ilustrar el acto de equilibrio entre evitar la peligrosa vida callejera y aprender la política del vecindario para sobrevivir.
A veces, Lamar logra alejarse de los problemas, otras veces corre hacia ellos, que muchos de nosotros hemos experimentado mientras atravesábamos los obstáculos de la adolescencia.
En la canción “The Art of Peer Pressure”, por ejemplo, Lamar rapea sobre estar con sus amigos y hacer cosas que normalmente no haría, como gangbanging, si no estuviera con ellos. “Nunca he sido violento / Hasta que estoy con mis amigos”, rapea.
El álbum continúa con el creador de palabras de la costa oeste saltando los obstáculos de la vida en algunas partes, esquivando casi accidentes en otras, todo mientras viaja en la camioneta de sus padres y disfruta de su juventud.
Daryl Nelson
Heroína pura – Lorde
Lorde entró en escena en 2013 lleno de angustia adolescente y listo para dominar la escena del pop alternativo de la década de 2010. Un título como Heroína pura sugirió que la cantante se veía a sí misma como una salvadorapero las huellas, sumergidas en la ansiedad, revelaban más complejidad. Detrás de su fachada había una chica que no encajaba en las fiestas lujosas y estaba preocupada por envejecer.
Desde conducir por su ciudad natal en “400 Lux” hasta encontrar consuelo en sus amistades en “Teams”, Lorde habló con una generación de adolescentes mientras crecía junto a ellos. Con el equilibrio adecuado entre oscuridad y vulnerabilidad, Heroína pura se convirtió en la banda sonora de mi experiencia en la escuela secundaria.
edificio wurandz
Listo para morir: el notorio BIG
Al crecer en Nueva York, la música no era un ruido de fondo, era un flujo sanguíneo. La ciudad se movía a un ritmo que no podías desconectar aunque quisieras. Sonaba en los estéreos de los autos, salía de las tiendas de discos (¿recuerdas eso?) y sacudía las paredes de los clubes donde descubrí por primera vez que tal vez escribir música era mi camino.
Cuando Listo para morir Golpeó en el 94, Sonó más como una adquisición que como un debut.. Una voz surgió de Brooklyn llamándose a sí misma la más enferma y, por una vez, la ciudad lo creyó. Esa voz era Christopher Wallace (también conocido como The Notorious BIG), y sus habilidades eran, como él dijo, “increíbles”.
Cada pista construyó el mundo del que venía Biggie y el que estaba a punto de dominar. “Things Done Changed” expuso la nueva realidad de Nueva York en los años 90; “Gimme the Loot” era pura urgencia; “Jugoso” era el sueño americano del gueto fabuloso.
Su flujo era conversacional pero nítido.—sin esfuerzo de una manera que hizo que todos los demás parecieran repentinamente anticuados. Listo para morir Redefinió el rap de la costa este y volvió a centrar el hip-hop en torno a la narración, el detalle y la verdad. Era el sonido de un género que estaba madurando, incluso si su nueva voz más importante nunca tuvo la oportunidad de hacerlo.
Mi mundo no se parecía en nada al suyo. No estaba esquivando a la policía (a menudo); Yo era una chica judía de la zona alta con el Amex de mi padre, un cuaderno lleno de rimas y demasiada actitud para mi propio bien.
Pero cuando Biggie rapeó sobre cómo hacer el cambio de “un ladrón común a una persona cercana y personal con Robin Leach”, me sentí como un amigo orgulloso, un sentimiento que todavía resuena 30 años después.
Todo joven comprende esa hambre. Esa mezcla de orgullo y paranoia que surge de querer más de lo que se supone, y esa es la parte que todavía me destripa: Listo para morir fue el único álbum que lanzó en vida desde La vida después de la muerte llegó días después de su asesinato.
El debut de Big Poppa terminó siendo toda su historia: ascenso, reinado y ajuste de cuentas. Es un récord de mayoría de edad, así como un recordatorio de que convertirse en quien eres puede costar todo, pero vale la pena. Y si no lo sabes, ahora lo sabes.
Sara Polonsky
El sueño siamés: The Smashing Pumpkins
Este enorme álbum y su sonido absolutamente gigantesco resonaron como un trueno durante toda mi adolescencia, una experiencia musical formativa que me mostró en mi adolescencia cuán trascendente y poderosa puede ser la música. Igualmente, Sueño siamés Tenía un cierto equilibrio entre agresión rockera, angustia e introspección que reflejaba mi propia mayoría de edad.
Escuché esto desde la explosión inicial de “Cherub Rock”, la propia historia de Billy Corgan de sentirse como un paria en la escena grunge de principios de los 90 y de sentirse sofocado por la presión de conformarse. De manera similar, “Mayonaise” lucha contra las dudas mientras busca el autodescubrimiento, mientras que “Today” y “Disarm” encuentran significado en ese ardiente caos emocional que define la adolescencia.
Angus Thomas Paterson